Amalia, según se cree fue el primer largometraje del cine argentino
Las grandes obras literarias latinoamericanas llevadas al cine un poco siguiendo al "film d´art" francés, pensando que "grandes obras garantizaban buenas películas"
Nobleza Gaucha fue el éxito más taquillero de la etapa muda.
(Es un largometraje, aquí solo publiqué un pequeño fragmento)
El cine argentino explora la temática gauchesca
Un fantasma en apuros, pelicula muda encontrada en Tucumán durante 2008. No tengo mas datos.
El último malón (Alcides Greca, 1917).
Película que ensaya al comienzo un pequeño documental reconstruido sobre la vida de los indios mocovíes protagonistas del malón.
Perdon Viejita de José Agustín Ferreyra. El cine argentino se vuelve ciudadano, busca en el arrabal y en el tango temas para sus films
John Grierson (1898-1972) y la escuela británica consideraban el documental como una especie de púlpito desde donde hay que animar una reforma social al exponer, no sólo los problemas que enfrenta al ser humano frente a la naturaleza, sino los que vive en sociedad por los efectos injustos del sistema económico capitalista. Pensaban que la tarea primordial del documentalista consistía en encontrar los medios que le permitan aprovechar el dominio que posee de su arte persuasivo de la multitud, para enfrentar al ser humano con sus propios problemas, trabajos y condiciones.
Biografía:
Productor, director, teórico y fundador del movimiento documentalista Inglés. (Nació el 26 de abril de 1898, Kilmadock, Stirlingshire, Escocia, UK.; Murió el 19 de febrero de 1972, en Bath, Somerset, Inglaterra, UK. [now Bath andNorth East Somerset, England, UK). Nació en el seno de una familia de maestros presbiterianos y socializantes.
Estudió Filosofía en la Universidad de Glasgow y durante la Primera Guerra Mundial sirvió en la marina. En 1924 partió hacia Estados Unidos con una beca de lla Fundación Rockefeller y durante tres años estudió prensa, radio, televisión y cine, impactado por el efecto que este tenía sobre el público y por el sensacionalismo que practicaba la prensa de William Hearst. Analizando la forma de construcción de la noticia, llegó a definir al documental como "el tratamiento creador de la actualidad", término que aplicó por primera vez refiriéndose al film Moana, de Robert Flaherty.Convencido de que el cine debía tener una función propagandística social, decidió formar un grupo de producción de documentales. En 1927, realizó Pescadores a la deriva (Drifters) para Empire Marketing Board (EMB), siendo esta su única película dramática. Después formó la escuela Grierson con universitarios provenientes de Cambridge. Cuando se disolvió EMB, en 1933, pasó a General Post Office, donde realizó: Correo nocturno (Night Mail, 1936), con Harry Watt, Mar del Norte(North Sea, 1938), La canción de Ceylán (The Song of Ceylon, 1934-35), con Basil Wright e Industrial Britain (1933).
En 1937 fundó el Film Center con la intención de independizarse. En 1938 lo llamó el gobierno de Canadá y en 1939 creó el National Film Board, con el que formó otro grupo de documentalistas, entre los que se encontraba Norman Mac Laren. En 1945 volvió a Inglaterra y fundó la Internacional Film Associated, de la que formaron parte Robert Flarherty y Jean Benoit-Lévy, entre otros. Hoy es considerado el más importante teórico del documental y su obra es vista como un antecedente del neorrealismo italiano y del Free Cinema inglés.
(sacado de http://documental.kinoki.org/johngrierson.htm)
Comienzos históricos del documental etnográfico. Desde los primeros años del cine se producían muchos films de viajeros y exploradores, pero en este caso existe una voluntad de comunicar algo diferente con el film, mas allá de que sirva sólo como recuerdo o registro.
Corto explicativo didáctico sobre el cine ojo. Interesante ya que utiliza muy buenas imágenes extraidas de los films de Vertov. La locución no está en un español porteño...
"La rueda" con comentarios en inglés de Kristin Thompson
Fragmento con imágenes selccionadas pra estudiar las sobreimpresiones, el ritmo, los cambios de color del soporte, el uso del iris y sus analogías plásticas, etc.
"Napoleón"
En los días moribundos de la revolución francesa, un general corso comienza a destacarse por su fuerte liderazgo y personalidad. Con el tiempo, Napoleón Bonaparte llevaría a Francia a ser un imperio como nunca en su historia. Obra maestra que en su día supuso un verdadero acontecimiento del séptimo arte. Tras esta versión de 1927 Gance montó una versión sonora en 1935. En 1981 los estudios de Coppola "Zoetrope Studios" restauraron la copia original de 1927, con musica de Carmine Coppola interpretada por la "American Symphony Orchestra".
Napoleón
Ficha técnica
Título: Napoleon vu par Abel Gance
Producción: Societé Générale de Films
Director: Abel Gance
Intérpretes: Albert Dieudonné, Vladimir Roudenko, Edmond van Dacle, Abel Gance
Duración: 300/270/240 minutos
Género: Drama biográfico
Estreno en Francia: 7 de abril de 1927, Teatro Ópera de París
Estreno en España: Barcelona, 12 de marzo de 1928
Argumento
Biografía de Napoleón Bonaparte, iniciada desde sus estudios y formación en la Escuela Militar de Brienne. La película, como temas centrales, ofrece algunos de los momentos más importantes de la vida del personaje: la toma de la conciencia revolucionaria en Cordeliers, su primera victoria militar en Toulon, su degradación tras la muerte de Robespierre, hasta la revelación como genio militar en la campaña de Italia.
"Napoleón", un hito en la historia del cine
"Napoleón" es uno de los títulos más importantes del séptimo arte. Las dimensiones de todo tipo, características, innovaciones y cifras que se barajan en esta superproducción la convierten en un film poco común en la historia del séptimo arte.
Abel Gance (1889-1981) concibió esta extraordinaria biografía de Napoleón como una película formada por seis largometrajes. Para este magno proyecto, Gance contó con grandes fortunas personales procedentes de Alemania y Rusia, y finalmente, de todos los actores y del personal técnico de la película, que eran conscientes de la magnífica película que se estaba realizando.
El 7 de abril de 1927, más de dos años después de iniciarse el rodaje, "Napoleón" se estrena en París con una duración de 210 minutos, que fue ampliada a 350 en las proyecciones que tuvieron lugar en el cine Apolo. En 1934 "Napoleón" volvía a estrenarse en París, esta vez con diálogos y efectos de sonido añadidos. En 1971, una nueva versión se asomaba a las pantallas, con escenas recortadas o añadidas desde la última versión. En 1981 y 1984 se llevaron a cabo dos nuevas versiones.
Novedades aportadas en "Napoleón" por Abel Gance
. Proyección simultánea de tres imágenes en algunas secuencias (marcha sobre Italia, disputa en la Convención), lo que se convirtió en un antecedente del sistema Cinerama de los años 50. El estreno se hizo en la opera de París el 7 de Abril de 1927 y fue un film tan revolucionario como su protagonista. El Napoleón vu par Abel Gance contenía tantos avances visuales, que nunca ha sido sobrepasado por ninguna otra película. Su clímax se presentaba en un sistema de tres pantallas llamado Polyvision, una innovación técnica que se avanzaba treinta años a lo que hoy conocemos por Cinarama o formato Widescreen. Abel Gance, explicará que al final del film, el público se puso de pie extasiado. "Conocí a un banquero en la salida que me contó que una mujer se tiró a sus brazos y abrazándole dijo: Es demasiado bonito para expresarlo en palabras. Tengo que besar a alguien" Entre el público se encontraba un joven oficial llamado Charles de Gaulle junto a su amigo André Malraux "Malraux -me contó De Gaulle- se levantó, abrió en alto sus brazos en el aire y empezó a gritar: ¡Bravo!, ¡Tremendo!, ¡Magnífico!" Nadie de ellos olvidó la película. . Colocación de cámaras en lugares inverosímiles: (a lomos de un caballo al galope, sobre un trineo; colgada en lo alto de un mástil o de un péndulo)
. División de la pantalla en nueve partes distintas.
Utilización de cámaras pequeñas para encuadrar escenas de masas y batallas.
eLinks para eMule: se recomienda instalar eMule para descargarlos.
Germaine Dulac, en su etapa impresionista. Una historia simple, con tiempos de la realidad y del deseo.
De la mano de Louis Delluc, Abel Gance,Marcel L’Herbier, Jean Epstein y Germaine Dulac,nace lo que se denominó Escuela Impresionista Francesa y que recibió el nombre de “impresionismo” gracias al interés por hacer que la forma narrativa representara el papel de la conciencia de un personaje (oponiendose al expresionismo en que la interioridad se vuelca en el escenario). Para ellos, la imagen –singularmente trabajada y elaborada en su sustancia plástica- era considerada el aspecto principal de la narración al introducir la “distorsión impresionista” buscada. Todos los recursos fílmicos posibles fueron aprovechados para componer “sinfonías visuales y rítmicas” y para intensificar la subjetividad de las “narraciones psicológicas” que distinguieron la cinematografía de la escuela.
"El cine debía ser, por encima de todo, una oportunidad para que los artistas expresaran sus sentimientos".
Una película referente del Impresionismo es “La souriante Madame Beudet”, realizada en 1922 por Dulac, y considerada como la primera en la historia del cine que se concentra en el punto de vista psicológico de una mujer. Dulac narra en ese film la historia de una señora desilusionada, insatisfecha y romántica, que intenta evadirse de un aburrido matrimonio por medio de una serie de “búsquedas psicológicas” e imaginarias.
Es posible encontrar allí la utilización de todos los códigos audiovisuales que caracterizan al Impresionismo: el iris, las plantillas y las sobreimpresiones funcionan como signos de los pensamientos, sueños, fantasías, estados mentales y sentimientos de Madame Beudet. La utilización de un montaje subjetivo –donde el relato se encuentra en función de un personaje-, las imágenes desenfocadas que representaban sus miradas y los primeros planos con angulaciones especiales presentan la experiencia perceptiva tal y como la vivía el personaje principal. Los cortes muy abruptos, las aceleraciones y ralenti de cámaras aportan para la construcción de un montaje marcadamente rítmico. La manipulación del tiempo del argumento es utilizada para evocar recuerdos, para adelantarse a lo que vendrá y para hacer avanzar el relato. Finalmente, la irrealidad del espacio (como cuando la pareja se dispone a cenar y desaparece el decorado de su alrededor) recuerda al espectador que lo que ve no es más que una construcción. Con todo esto, Germaine Dulac logra traducir, eficazmente, una especie de “realidad llevada al corazón de la protagonista” por el poder de la fantasía.
Título Original:Der Golem, Wie er in Die Welt Kam Año: 1920 País de Origen: Alemania Formato: avi Duración: 1h 17m 04s Idioma:Español (Intertítulos) Dirección: Paul Wegener Elenco: Paul Wegener, Albert Steinrück, Lyda Salmonova, Gotto Gebuhr. Calidad de video: 8/10 Sinopsis:Clásico del cine mudo alemán que cuenta la leyenda de El Golem, una estatua que cobró vida en la Praga del siglo XVI, gracias a un rabino, para liberar a los judíos de la brutal persecución a la que estaban siendo sometidos por toda la ciudad. Luego, mucho tiempo después, a comienzos del siglo XX, el Golem es encontrado entre los escombros de una sinagoga, y volverá a la vida de manos de un anticuario.
Edición de algunas partes de la película. Se puede apreciar el viraje a diferentes colores. Así se proyectaban las películas. Hay muchas versiones diferentes. Observen también el uso del IRIS.
Hacia el final se presenta el "rescate a último momento" creador de suspenso narrativo.
Buena copia de la primera parte del film. Se presentan las cuatro historias que funcionan de manera paralela en el film. Es decir cada una es independiente de la otra, lo que las une no es la trama sino el tema. Cada una está tratada de diferente forma, se nota en los intertítulos. El nexo entre una y otra es la mujer meciendo la cuna.
Ver la escenografía monumental.
Usa recursos narrativos para crear el espacio. El primer plano y el plano detalle, con finalidad narrativa, en algunas ocasiones.
La actuación es bastante naturalista.
Importancia de la emoción.
Recursos narrativos como el PD y el PP
Creación de un espacio cinematográfico mediante el montaje.
Producida para la Biograph
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